映画製作というのは一般的に大金のかかる、ハイリスク・ハイリターンなビジネスであります。
近年はデジタル化の恩恵を受けて、制作費のコストは多少なりとも抑えられ、自主映画も活発に作られています。
映像作品を発表する場に関していえば、デジタル・オンライン革命の恩恵を受けて（マネタイズできるかどうかを別にすれば）作品発表にかかるコストは劇的に下がっています。

製作に関しては、人的コストやロケーションの問題などまだまだ色々大変な面はありますが、映像作りというのが、かつてと比べて格段に身近に感じられるようになりました。
大げさに云えば映像制作の民主化とでも云えますかね。

映画製作は集団作業であって、多くの人間を巻き込みます。良い映画を作る時には、卓越した才能を持つ監督や、俳優、脚本家などがその感性を多いに発揮できることも重要ですが、それと同じくらい集団を一つの目標に向かっていかにまとめ上げるかも大変重要です。


言い換えると、期間限定のコミュニティ作りのようなものです。

こうした映画製作を地域活性化に役立てようとする動きがあります。
ものがたり法人「FireWorks」は、映画製作を通じた「地域のブランディング」を提唱し、単なる映画のロケ地に留まらない、まち作りと映画作りのコラボレーションを、地域住民を巻き込んだ活動を行っています。

そのFireWorksの最新作である「ふるさとがえり」もまた、阜県恵那市を舞台に、地域の人々が実際に映画作りに参加し製作された作品です。
この映画は「えな”心の合併”プロジェクト」というプロジェクトが母体となり、市町村合併後に、なかなか各ローカルコミュニティの交流が進まない現状を映画製作を通じて打破しよう、ということで企画がスタートしました。

この映画の製作意義として公式サイトにはこうあります。

地域の全面的協力で創るのではなく、地域自身が発信する物語である
従来の映画作りのように、制作会社が、既に決まっている物語を地域フィルムコミッションの協力で制作するのではなく、地域の人々自体が主体となり物語自体の作りこみにも参加をし、メインのスタッフとして、ただの協力ではなく、自分たちの映画として制作に携わることで、本当の意味での地域から発信する映画とする。

地域側からの自立的な映画製作の意義について、この映画の上映会展開のプロジェクトリーダー、五井渕利明さんにインタビューを行いました。
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アメリカのエンターテイメントニュースサイトのハリウッドリポーターがPenn Schoen Berlandというリサーチ会社と協力して、ソーシャルメディアが既存の娯楽産業に与える影響の調査結果を発表しています。
THR’s Social Media Poll: How Facebook and Twitter Impact the Entertainment Industry

リサーチ対象は、13歳から49歳のソーシャルメディアを普段から利用しているユーザー750人。男女比には言及がありません。
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震災から一年が経過して、被災地以外の地域では平穏な暮らしがもどりつつあります。原発稼働がゼロになったり、夏の電力がどうなるとか、問題が山積していますが、とりあえず人々の生活から震災は消えつつある。
それはそれで喜ばしいことかもしれません。平和が一番に決まってますからね。
しかし、被災3県ではまだまだ復興の途上であり、多くの支援が必要としています。地元の人々だけではなく、より多くの人のコミットがなければ復興は終わらないでしょう。


このドキュメンタリー映画は、津田大介率いるネオローグの一向が、震災から間もなく一年になろうとしている東北地方を取材した際の記録です。元々はインターネットや音楽著作権を専門としていたジャーナリストである彼は、一時の盛り上がりに終わらず一年経った今でも東北取材を続けコミットを続けています。

震災前、あるいは震災後に津田氏がそこまで震災問題と原発問題に深くコミットすると思っていた人はいるんdしょうか。震災問題は彼の経歴からするとあまりイメージできないし、「ブーム」が過ぎたらまた元のソーシャルメディアのコメンテーターなどの仕事に戻るだろうとみんな思っていたんじゃないでしょうか。無論そういう仕事もしていますが、東北取材と原発問題は現在の彼にとってかなり大きなウエイトを占めているように見えます。

この映画は一見多くを語らないのですが、そうした津田氏の「変化」を念頭に置いておくとより情報量の多い作品として楽しめるかと思います。
なぜ彼は変化したのか、そしてコミットを続けるのかのヒントがこの映画には隠されています。
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前回のエントリーで、イギリスのリアリティ番組におけるソーシャルメディアの活用例を紹介しましたが、今回はアメリカの例を見てみたいと思います。

プロダクトプレイスメントを用いた番組は日本でも増えていますが、アメリカでもそれは同様。特に最近のテレビのリアリティ番組にはプロダクトプレイスメントが多すぎると感じている人も多いかもしれません。視聴率をベースにしたCM料はやはりアメリカでも日本と同様、現象傾向にあり、新たな収入源探しに放送局もやっきになっているわけでそんなことになっているわけですが。
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巨匠マーティン・スコセッシによる映画トリックの創始者、ジョルジュ・メリエスへのオマージュ映画ですね。
巨匠が３Dに挑んだ、という点でも話題を集めていましたが、この映画が３Dを使って作られたのは映像技術もここまで進化した、ということを示す心意気のような感じで、

それはメリエスへのオマージュであるこの映画には、ある種必要なことだったんだろうと思います。
しかし、ヴェンダースのPinaほどには３Dによる表現の可能性を追求しているというわけではない。
この映画が３Dである必然性は、半分あって半分ない。
別に必然性がないと、３Dで作ってはいけないわけでは全然ありませんけど。
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いつもアメリカのテレビや映画の事情を調べることばかりなので、たまにはヨーロッパの事情も見てみようと思います。イギリスでのタブレットやスマートフォンを利用したテレビとソーシャルメディアの連携例を紹介してみます。


タブレットやスマートフォンの普及によって、それらをセカンドスクリーンとして活用しようという動きが広がっている。放送業者たちはここのところ少しずつセカンドスクリーンをどう活用してくべきかの試みをし始めていたが、今期、いくつかの番組が一歩進んだトライをしている。
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かつてのイギリスは、高福祉国家として名高く、「ゆりかごから墓場まで」という有名なスローガンが示す通り、国が生まれた時から死ぬまでの安全を守る、というのが国としての政策だったわけです。

しかし、当然高福祉社会は支出がハンパないので、国家財政の破綻の危機に見舞われたイギリスは「鉄の女」サッチャーによって、新自由主義経済の緊縮財政・自己責任奨励の国へと姿を変えました。
ゆりかご、というからには生まれて来る赤ん坊のころから幸福の自由を保証するための制度がイギリスにはあったわけですが、かつてイギリスの名匠ケン・ローチは、このイギリスの児童福祉政策の闇を「レディバード・レディバード」という、実話を基にした映画で描いています。

情緒不安定な母親マギーは、そのせいで母親不適格とみなされ生まれたばかりの赤ん坊を強制的に取り上げられてしまうのですが、一度不適格と行政に見なされれば、何度も同じ目にあい、最終的には6人もの子供を強制的に取り上げられてしまい、面会すれ許されない。虐待の可能性のある親から人道的見地から子供を守るという名目で行われた非人道的な政策の矛盾を見事に描いた作品でした。

このケン・ローチの息子であるジム・ローチの長編映画デビュー作である「オレンジと太陽」もそうしたイギリスの福祉政策の黒い歴史を描く作品です。ケン・ローチという名前は現在の世界の映画界でも特別な名前の一つで、同じ姓を持って映画を作るのは相当なプレッシャーもあるとは思うのですが、全く名前負けしていない素晴らしい作品です。

これだけの仕事の出来る人間を、名匠の息子、という風に紹介するのも失礼かもしれません。

とはいえ、父親の作品の影響を受けていないということもなく、このような社会の矛盾に晒され苦しんだ人に焦点をあてる姿勢は父親譲りでもあるでしょう。デビュー作なので、こうした枕詞がついてしまうのは宣伝の都合上しかたがないでしょうが、次回作から「オレンジの太陽のジム・ローチ」と堂々と書けるでしょう。素晴らしい作品でした。
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「少年」と「自転車」というキーワードで思い浮かべる映画といえば、やっぱりイタリアン・ネオリアリスモの「自転車泥棒」なんですが、ダルデンヌ兄弟のようなスタイルの映画作家は、当然あの映画を参照しているだろうな、と思います。

もっとも自転車泥棒は、少年よりも、自転車を盗まれた父親の焦りと自分も自転車を盗んでしまう弱さや葛藤に焦点をあてていて、少年はピュアな視点担当のような感じですが、同じ自転車が盗まれるというアイデアを使いながら、ダルデンヌ兄弟は少年の純粋さと残酷さ、危うさなんかも同時に描いています。

この自転車という小道具は青春映画には割とかかせないアイテムの一つで、単にバイクや車は免許の関係で乗れないから、というのもありますが、青春の全力で疾走する感覚というのを表現しやすいんですね。自転車って漕ぎ続けないと倒れちゃうものですから、立ち止まらず前に進み続ける青春の象徴のようによく使われます。

※映画を見てから読むことをオススメいたします。

レビューのプロローグ的に最初に記しておくと、僕はCoccoのファンです。

いや、ファンというか、Coccoという人は存在自体が奇跡だと思っていました。彼女の歌を始めとする表現作品からは「聖なる狂気」のようなものを感じるわけです。表現だけのフェイクとも思えないレベルで。

そして塚本晋也監督のファンでもあります。ファンというか尊敬しております。塚本監督の都市にしか生きれそうにない人間を一貫して描く姿勢が好きあんですね。都市に生きて壊れ、そして救われていく人間たち。そういう風にしてしか生きられない人が確実にいるのです。

というか、東京に関して、時折疑問に思うことがあるんです。これだけ大量の人間が住んでいて、それでもこの街は表向き、システマチックに割とキチンとまわっている。どこかに歪みがあるに決まっている。そうした歪みにハマり、壊れて、しかし救われていく人間たちを塚本監督は描いてきた作家ですね。

そういう歪みにいる人間からはむしろ、キチンとまわっているこの世の中の方が狂って見えることがあるんです。そういう視点を仮想体験させてくれる塚本映画は、社会に対する新たな視点を提供してくれるので、非常に知見作品だと思います。

そんな塚本監督の最新作は何とCocco主演。都市にしか生きれない人間たちを描き続けた男が、都市に生きれない女性と組んで映画を撮るとは。

しかし、もしCoccoさんが映画に出るようなことがあったら、その監督は塚本監督しかいないだろうとも思っていました。ヴィタールという作品を見てそう思ったんですね。Coccoさんがエンディングテーマを手がけていることもありますが、作品中にでてくる沖縄の海でバレエを踊る女が、Coccoさんとシンクロするんです。
あれを見て、塚本監督もまた、Coccoさんを「存在すること自体奇跡」と感じているな、と勝手に確信しました。映画の中でも、その沖縄の女は、あり得ないものの象徴として描かれていますし。
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